Concertgebouw Grote Zaal

CONCERTGEBOUW AMSTERDAM: UNA ORQUESTA DE ENSUEÑO

Espectacular concierto de la Concertgebouw Orkest de Amsterdam (Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam)

CONCERTGEBOUW GROTES ZAAL 19 de Junio de 2019
Obras de Glanert, Tchaikovsky y Smetana

Nikolai Znaider, violín
Semyon Bichkov, director

En el glorioso e histórico marco de la Concertgebouw Grote Zaal, fundada en 1913, EL PARNASO DE LAS ARTES ha asistido a uno de los últimos conciertos de la temporada regular de la formidable orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, – sin lugar a dudas una de las mejores orquestas del mundo en estos momentos, y de larga y magnífica tradición – con un programa formado por un estreno de Detlev Glanert (1960) Weites Land (Musik mit Brahms, 2013) y dos maravillosas joyas del repertorio romántico, el bellísimo Concierto para violín op. 35 de Tchaikovsky y tres poemas sinfónicos del sensacional ciclo “Mi Patria” de Smetana (Vysherad, El Moldava y Sarka).

Nikolai Znaider

La actuación del violinista ruso Nikolai Znaider fue excelente, con un fraseo noble, cálido, elocuente, luciendo su gran técnica en las agilidades, luminoso en el primer movimiento, nostálgico y refinado en el melancólico Andante y brillante y virtuosístico en el finale en un tour de force extraordinario. El éxito fue grande y Znaider ofreció un bis de Bach, impoluto e introspectivo.

Semyon Bichkov

El acompañamiento orquestal en Tchaikovsky bajo la experta batuta de Semyon Bichkov fue esplendoroso, equilibrado, de un fraseo impecable y brillantísimo. En cuanto a Smetana, la interpretación de los tres famosísimos poemas sinfónicos elegidos por el director fue modélica, absolutamente idiomática y rigurosa. Bychkov impuso a partes iguales claridad expositiva y pasión y la respuesta orquestal de la orquesta holandesa fue soberbia. Extraordinaria acústica la de la Gran Sala del Concertgebouw, una sala de conciertos que todo buen melómano debe visitar, como si de una auténtica y obligatoria peregrinación musical se tratara.

LUIS AGIUS


Luis Agius

Michel Legrand: Concierto para piano y orquesta

Concierto para piano y orquesta

Michel Legrand, piano

Henri Demarquette, cello

Orchestre Philarmonique de Radio France

Mikko Franck,director

SONY CLASSICAL  88985416842

SONY presenta un extraordinario disco compacto que recoge las últimas grabaciones -en el repertorio clásico- del legendario compositor francés de inolvidables bandas sonoras para el cine Michel Legrand (1932-2019)   excelente compositor también en el campo de la música denominada culta, así como consumado pianista de jazz, uno de los mejores del panorama europeo de los años 60 y 70. En efecto, Legrand, autor de B.S.O. tan conocidas como “Los paraguas de Cherburgo”, “Verano del 42”, “Yentl” y otras muchas, fue un formidable y versátil pianista y compositor, como nos lo demuestra en su magnífico, impresionista, bellísimo y  raveliano Concierto para piano y orquesta (que recuerda vagamente al fabuloso “Concierto en sol” de Maurice Ravel) y en su atractivo e interesante Concierto para violonchelo.Legrand además es el solista de su propio Concierto para piano, ofreciéndonos una lectura briosa, colorista, de amplia dinámica, técnica impoluta, y sentido y sensibilidad a raudales.El violonchelista Demarquette asimismo se muestra sólido y convincente , ofreciéndonos un bello fraseo y  sonido, en la línea de la mejor escuela francesa de violonchelistas del pasado (Gendron, Tortelier). Excelente dirección musical del director finlandés Mikko Franck a una notable Filarmónica de Radio Francia y soberbia grabación en la “Maison de Radio France” en París (2016). Tributo, homenaje y recuerdo totalmente justificado a una figura legendaria de la música con mayúsculas en todos los terrenos y todos los estilos: Michel Legrand.

LUIS AGIUS

Opera Capriccio

Capriccio” de Richard Strauss opera en un único acto, estrenada en Munich el 28 de Octubre de 1942

Libreto: R. Strauss y Clemence Krauss, sobre una idea de Stefan Zweig

Función del 4 de Junio de 2019,

Teatro Real de Madrid

Co-Producción de Amigos del Teatro Real con la Ópera de Zurich

Dirección de escena:Christof Loy

Escenógrafo  Raimund Orfeo Voigt

Elenco

  • Condesa Malin Byström
  • Conde  Josef Wagner
  • Flamand Norman Reinhardt
  • Olivier André Schuen
  • La Roche Christof Fischesser
  • Clairon Theresa Kronthaler
  • Orquesta del Teatro Real
  • Asher Fisch, director musical

Una formidable conjunción de talentos, Richard Strauss (1864-1949), el gran compositor bávaro, amigo personal de Gustav Mahler, de larguísima carrera en la música sinfónica y la ópera, el gran director  de orquesta Clemence Krauss y el extraordinario escritor Stefan Zweig (1881-1942), dio como resultado esta joya del repertorio que es la exquisita y sublime ópera “Capriccio” que el Teatro Real presenta en coproducción con la Ópera de Zurich y que constituye uno de los grandes aciertos de la temporada.En efecto, un sensacional elenco de cantantes, entre los que destacó sobremanera en el rol de la Condesa la soprano sueca Malin Byström, vocalmente extraordinaria, de bellísimo timbre, sutil e intensa en su gran escena final, y en el papel del empresario teatral La Roche, el barítono Fischesser y sobre todo la magnífica dirección orquestal del director israelí Asher Fisch, suntuosa y delicada a partes iguales (desde que Semyon Bichkov dirigió en el Real “Elektra” en 2011 no habíamos escuchado una ópera de Strauss tan excelente en el plano orquestal) conformarán una extraordinaria velada operística.

Sin embargo, más allá de todo esto , lo verdaderamente importante estriba en el magnífico libreto a partir de una trascendente conversación o dilema planteados entre Zweig –libretista de otras óperas de Richard Strauss como ”La mujer sin sombra” o “La mujer silenciosa”- y el propio Strauss y que se remonta a la noche de los tiempos de la manifestación cultural: ¿prima la musica e poi le parole o viceversa? La solución podríamos encontrarla en la refinada y etérea música de Strauss o en el magnífico libreto, pero realmente debe triunfar una solución aristotélica: “en el equilibrio está la virtud”. En verdad, una gran ópera ha de atender en un plano de igualdad a ambos elementos de manera indisoluble y manifiestamente pareja, y ejemplos de ello hay sobrados en las óperas de Mozart o Wagner, por ejemplo.

Pese a que el público español y madrileño no es muy proclive a Strauss, la belleza de “Capriccio” , con una sobria y correcta dirección  y puesta en escena de Christof Loy, y Raimund Orfeo Voigt, debe abrir la puerta del Real a nuevos títulos de este gran compositor.¿Para cuándo la maravillosa “Der Rosenkavalier”?

LUIS AGIUS

Joyce-DiDonato SongPlay
Joyce-DiDonato / Songplay

“SONGPLAY”

Joyce DiDonato,mezzo-soprano

Craig Terry piano, Charlie Porter trompeta,  Chuck Israels contrabajo, Lautaro Greco bandoneón, Jimmy Madison batería

ERATO (Warner Classics) 01902955534387

La gran mezzosoprano norteamericana Joyce DiDonato, una de las más grandes voces de nuestro tiempo, y una diva colosal y muy versátil, tanto en el escenario, como en  el recital de cámara, vuelve a ofrecernos un disco compacto singular de la mano del sello Erato (distribuido por Warner Classics) consistente en una selección de arias barrocas de Vivaldi, Caccini, Paisiello, Torelli, Giordani etc, arregladas para un pequeño conjunto instrumental de corte “jazzístico” y con el inconfundible estilo, sabor,  y fraseo propios del jazz, en un divertimento que fascinará a algunos y dejará perplejos a otros.Los arreglos son de calidad y rigurosos con los textos y la línea melódica de los maestros barrocos italianos y la calidad vocal y artística de DiDonato incuestionables, si bien pueden resultar discutibles los resultados, a caballo entre un estilo y otro, sin definirse claramente.Más convincente resulta, en todo caso, la selección paralela que se nos ofrece en el disco compacto de grandes “standars” o temas vinculados a la canción ligera americana, el blues, el musical, el jazz e incluso el tango, y que incluye a compositores  tan acreditados como Richard Rodgers, el gran Duke Ellington (uno de los “reyes del jazz”), Gene Scheer, Jerrold Bock, George Shearing, George D. Weiss, etc.Excelente grabación , si bien favorable a la voz.

LUIS AGIUS

LA HISTÓRICA GEWANDHAUSORCHESTER  LEIPZIG Y ANDRIS NELSONS BRILLAN A GRAN ALTURA DE LA MANO DE IBERMÚSICA

Auditorio Nacional, 22 de Mayo de 2019

BRUCKNER  Sinfonía nº 5 en si bemol mayor

Auditorio Nacional 23 de Mayo de 2019

SHOSTAKOVICH Concierto para violín nº 1 op 77  

TCHAIKOVSKY Sinfonía nº 5 op 64 de

Solista Baiba Skriede, violín

Orquesta del Gewandhaus de Leipzig

Andris Nelsons, director

IBERMÚSICA nos ha ofrecido la magnífica actuación de la soberbia Gewandhausorchester Leipzig, una de la orquestas más antiguas del mundo, si bien tal honor corresponde en puridad a la Saasische  Staatskapelle Dresden (actualmente Staatskapelle Dresden) otra histórica orquesta alemana, cuyo embrión, un conjuntos de metales, , data del lejano año de 1448.En todo caso, ante la Gewandhaus de Leipzig nos encontramos frente a una orquesta que fue dirigida entre otros grandes músicos por Mendelssohn , Schumann, Tchaikovsky, etc y que estrenó innumerables grandes obras del repertorio romántico.Su larga tradición se nota en su sonido, su color, su empaste, su sobresaliente  afinación, la precisión en los ataques : excelente cuerda, excepcional viento-madera, formidables metal y percusión.

La orquesta y su director titular el letón Andris Nelsons-mucho más acertado  en los presentes conciertos que en otros conciertos de pasadas temporadas- brillaron especialmente en la Quinta Sinfonía de Anton  Bruckner, obra majestuosa, imponente, grandiosa, una auténtica catedral musical , de un contrapunto asombroso, con unos climax demoledores,  y unos pianissimi inverosímiles, épica y colosal, pero también , lirica en su grandeza, con un sublime y melódico Adagio, una de las páginas más extraordinarias de Bruckner.El Scherzo fue demoledor y el final apabullante, gracias a la batuta , la precisión y el bellísimo fraseo de Nelsons, que estuvo  sensacional en todos los aspectos (dinámica, balance, precisión rítmica, etc) situándose a la altura de los grandes directores de orquesta “brucknerianos” de hoy día, es decir, Daniel Barenboim , Thielemann, Jansons y el veterano Bernard Haitink.

En el segundo concierto tuvimos el maravilloso Concierto para violín número 1 de Shostakovich, obra cumbre del género en el siglo XX, que tuvo en la violinista letona  Baiba Skride una competente y eficaz intérprete pero a la que le faltó algo más de mordiente y contraste, quedando lejos de violinistas como Janine Jansen o  Batiasvhili en esta obra.La Quinta Sinfonia de Tchaikovsky obra maestra absoluta del sinfonismo romántico y del estilo trágico, tuvo todo el pathos necesario, pero sin excesos. Nelsons impuso control  y un bello fraseo y la respuesta orquestal fue soberbia especialmente en los dos primeros movimientos, en los que la versión fue inolvidable.En definitiva, sensacionales conciertos , máximos exponentes del  más relevante sinfonismo romántico.

LUIS AGIUS

© Gisela Schenke

UN GRAN CAPITÁN AL TIMÓN DE LA ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA

DAVID AFKHAM: “TODOS DEBEMOS TRABAJAR JUNTOS EN LA MISMA DIRECCIÓN”

David Afkham es Director Titular de la Orquesta y Coro Nacionales de España desde hace cinco años y recientemente ha sido nombrado por el INAEM asimismo Director Artístico. El maestro Afkham, cuyo talento y capacidad ha demostrado sobradamente en su puesto, abre amablemente las puertas de la Orquesta Nacional al Parnaso de las Artes y conversamos con él sobre el futuro de la OCNE y otros temas musicales, como la labor del director de orquesta, el trabajo con los músicos, el panorama musical internacional, etc. David Afkham no  es solamente un sólido y extraordinario director de orquesta- y músico experimentado pese a su juventud- sino que se muestra como un auténtico humanista, preocupado por el papel de la música como elemento integrador y potenciador de la fraternidad entre los seres humanos y vehículo de mejora de la vida social.

PARNASO.-Muchas gracias,David por abrir al Parnaso de las Artes las puertas de la Orquesta y Coro Nacionales de España y atender nuestras preguntas ¿Su nuevo nombramiento como director artístico además de musical de la OCNE es el mayor reto de su carrera hasta el momento?¿Cómo lo afronta?

DAVID AFKHAM.- Sin duda,este nombramiento es el mayor reto de mi carrera profesional.En primer lugar, es una gran alegría pero también una enorme responsabilidad.Tengo que hacerme cargo no solo de la orquesta y el coro  y los conciertos sinfónicos sino también del ciclo satélites,la programación didáctica, etc,. Tengo muchas ideas para desarrollar y sobre las que me gustaría trabajar para próximas temporadas (Nota del Parnaso: la próxima temporada 19/20 ya se había elaborado por el anterior equipo.David Afkham ha comenzado a  diseñar la programación para la temporada 20/21 y sucesivas)

PARNASO.– Personalmente David, como director ¿usted prefiere el trabajo permanente con una orquesta o enfrentarse como director invitado cada semana a una orquesta diferente?

D.AFKHAM.- Prefiero el trabajo día a día como director titular. Como músico, es un lujo el hecho de que tenga a mi disposición una orquesta y coro como la OCNE, es un regalo de Dios, no sé cómo expresarlo. El trabajo,el contacto diario con los músicos de la orquesta me permite trabajar en profundidad a nivel artístico y conectar con los músicos. Como director invitado de una gran orquesta , está muy bien, es una buena experiencia, pero diriges un par de conciertos y ahí termina todo. Personalmente me gusta trabajar con profundidad los aspectos musicales, con contenido, con detalle y transmitir lo que quiero de los músicos con energía .En los últimos cinco años creo que la Orquesta y el Coro han cambiado. En esta temporada con la Sexta de Mahler o la Séptima de Shostakovich  se ha podido ver, he quedado muy satisfecho. La experiencia de hacer música con mi orquesta y crear y hacer crecer la música tocando juntos se ha podido comprobar y ha dado un resultado extraordinario. Además, no se trata solo de tocar notas, sino de conectar con la sociedad, de ser embajadores de la cultura, de ser transmisores de sensibilidad y espiritualidad sobre todo en estos tiempos donde en el mundo hay más nacionalismo, más violencia… Sin cultura no conseguimos nada.

PARNASO.- Cuando Karajan asumió  en 1955 la titularidad de la Filarmónica de Berlín dijo: ”seré un dictador” y lo cierto es que la convirtió quizá en la mejor orquesta del siglo XX. David, como director de orquesta ¿está de acuerdo con esta afirmación o prefiere un modelo de director más conciliador, estilo Claudio Abbado?

D.AFKHAM.- La cuestión es ser “primus inter pares”  para ser un buen líder, un buen jefe. El poder para mí no debe ser vertical , sino horizontal. Hay que escuchar y dialogar. Yo escucho y doy oportunidad de expresarse a los otros y de tener una responsabilidad. Soy idealista pero no soy utópico. La decisión final sobre lo que hay que hacer es mía, bajo mi responsabilidad, pero a partir de un diálogo, y basado en un diálogo de todos, músicos, técnicos, administración, etc, todos creyendo y trabajando, y estando identificados con un proyecto, con un ideal y todos conectados. Y yo necesito un director técnico que haga posible todo esto.

David Afkham Gisela Schenker_2
David Afkham Director Titular de la Orquesta y Coro Nacionales © Gisela Schenke

PARNASO.- Por ejemplo, ¿en qué aspectos concretos? ¿Giras internacionales? ¿También con el intercambio con otras orquestas? En el pasado se dijo que no era posible.

DAVID AFKHAM.- Cierto, pero eso es el pasado. Yo necesito ahora un director técnico que haga posible todo esto. Tenemos que probar a hacer intercambios con otras orquestas, incluso con orquestas jóvenes, como tengo pensado.

PARNASO.– David ¿cuál es a su juicio el repertorio que la ONE debe abordar más, en el que  más tiene que mejorar?

D.AFKHAM.- Sin duda el repertorio clásico, Haydn, Beethoven, Schubert. Después de la temporada 19/20 necesitamos tocar Beethoven. No tenemos un lenguaje musical unificado o definido en  este estilo. También Haydn y Mozart por supuesto. El repertorio clásico es fundamental en una orquesta, pues se trabaja la afinación, el ataque , el estilo, etc. Quiero hacer también Schumann, se ha tocado poco en los últimos años. Ha habido bastante Mahler o Shostakovich, pero ha faltado algo más de repertorio del romanticismo y clásico.Y también es preciso conectar esta idea con el ciclo satélites (música de cámara)

PARNASO.– Dado el envejecimiento patente del público melómano asistente a los conciertos de la OCNE y en general a los conciertos sinfónicos en España y otros países ,  ¿cómo cree que es posible atraer a los jóvenes a las salas de concierto?

D.AFKHAM.– Lo primero es abrir las puertas de la orquesta a los jóvenes y tocar al aire libre, en un espacio nuevo y buscar repertorio desde la perspectiva de los jóvenes ¿Por qué no tocar una ópera para los jóvenes? ¿Por qué no trabajar con el Prado o el Reina Sofía? Hay muchas posibilidades de crear conciertos nuevos, en otros formatos diferentes.

PARNASO.-David, ¿qué obra musical que no ha dirigido todavía le gustaría dirigir?

D.AFKHAM.- Muchas, no lo sé, es difícil decirlo,  creo que la Novena de Mahler y el Anillo del Nibelungo de Wagner, desde luego, pero son tantas obras….

PARNASO.– David, ¿cómo ve el panorama internacional de la música clásica? ¿Goza de buena salud o está en retroceso?

D.AFKHAM.– La música clásica no está en retroceso. Es un lenguaje internacional. Yo veo diferentes estilos de conectar con el público en el panorama musical. En todo caso, depende mucho de los países y de los recortes económicos. Hay que luchar contra esos recortes. La música es esencial para la sociedad, es una forma de comunicación social que hay que defender.

PARNASO.– ¿Considera importante que una orquesta dedicada al repertorio sinfónico toque ópera?

D.AFKHAM.- La Ópera es muy importante. La OCNE ha tocado en versión de concierto algunas óperas, “El holandés errante”, de Wagner, etc. Tocar ópera da la oportunidad de conocer a la orquesta sinfónica nuevos repertorios y tomar un nuevo impulso. Así la orquesta  escucha y conecta con las voces del mismo modo que ocurre con la música de cámara.Hay cuestiones importantes, balance, equilibrio, transparencia. El sentido del texto también es importante.

PARNASO.- ¿Cual es el repertorio en el que se encuentra más cómodo como director?

D.AFKHAM.- Mi repertorio preferido es el clásico-romántico  especialmente Schubert, Schumann, Beethoven, Brahms. También me gusta la Segunda Escuela de Viena, en particular Alban Berg, algunas páginas impresionistas,  y la música española, Falla y Granados, que estoy estudiando ahora.

PARNASO.– David, permítame ahora que le plantee un pequeño “juego” que creemos  muy interesante para los lectores del Parnaso y es que nos comente, desde su gran experiencia y conocimiento como director de orquesta, con una sola palabra, y de forma espontánea, lo que le sugieren las grandes obras musicales que voy a mencionarle:

Mozart “Requiem” 

Haydn  “La Creación”

Beethoven, Novena Sinfonía 

Schubert “Incompleta” 

Brahms “Cuarta Sinfonía”

Wagner “Tristán e Isolda”

Mahler “La Canción de la Tierra”

Schoenberg  “Noche transfigurada”

Stravinsky  “La Sacre du Printemps”

Bartok  “Concierto para orquesta” 

Shostakovich “Décima Sinfonía”         

Ligeti  “Lontano”

“Luz”

“Alegría de vivir”

“Humanismo”

“Cielo e Infierno”

 “Carlos Kleiber”

“Un pilar, profundidad”

“Misticismo”

“Gestalt”

“Revolución»

“Genio”

“Sociedad”

“Creación de Mundos”

Muchas gracias David, le deseamos el mayor de los éxitos al frente de la Orquesta y Coro Nacionales de España.

©LUIS AGIUS

Franz Schubert:

Sonata para piano número 21 D 960

Cuatro Impromptus op 90 D 899

Kathia Buniatishvili, piano

SONY CLASSICAL

La joven y gran pianista de origen georgiano Katia Buniatishvili -una de las estrellas del teclado más prometedoras del panorama actual- se enfrenta en el bellísimo y magnífico disco compacto que presenta SONY a las más grandes y hermosas piezas para piano de Franz Schubert, o lo que es los mismo a páginas inmortales  para piano a las que todo gran pianista que se precie ha querido enfrentarse y abordar en algún momento de su carrera y que gozan del absoluto favor del público melómano: los Impromptus D899 op 90 y especialmente la «joya de la corona» del legado pianístico de Schubert, la formidable Sonata D 960 en Si bemol mayor. En efecto, gigantes del piano como Sviatoslav Richter, Brendel, Barenboim, Zimerman, Leonskaja, Lupu, Pollini, nos han dejado grandiosas versiones de esta magna obra, lírica y melancólica, dramática y humorística, una trascendente y dolorosa despedida del mundo (quién sabe si el “requiem” que Schubert nunca compuso), pero en definitiva, una obra de una trascendencia sin igual.Esos grandes maestros citados nos han ofrecido registros memorables de esta Sonata, y la joven y extremadamente bien dotada musicalmente pianista rusa Kathia Buniatishvili no se queda atrás: su discurso es elocuente, su fraseo bellísimo, delicado y sensible y ala par agreste y enérgico cuando es preciso. Kathia asciende las cumbres y desciende los abismos schubertianos con sentido y sensibilidad y evidenciando los abruptos contrastes de la música. Magnífico primer movimiento, lírico, pausado, de gran naturalidad. Dramático andante, casi una elegía; fugaz y liviano tercer movimiento.Sobresaliente despedida en el cuarto movimiento donde el contraste de su amarga alegría se hace patente.La inmaculada técnica de la pianista rusa se despliega en toda su extensión en los Impromptus, servidos  con las máximas dosis de lirismo, virtuosismo, límpida digitación, extraordinarios matices, clima logrado. Aquí solo Pires se muestra superior a la georgiana, por su capacidad de introspección. Disco compacto, en suma, extraordinario, imprescindible para los melómanos, especialmente amantes de la maravillosa música de Schubert. Excelente toma de sonido, de amplísimo espectro dinámico.

LUIS AGIUS

FALSTAFF” de Giusseppe Verdi ópera basada en Las alegras comadres de Windsor de  W.Shakespeare (Libreto: Arrigo Boito)

Función del 30 de Abril de 2019

Teatro Real de Madrid

Producción del Teatro Real en coproducción con la Monnaie de Bruselas, Opera de Burdeos y tokkyo Nokkai Opera

Dirección de escena:Laurent Pelly

Escenógrafo Bárbara de Limburg

Elenco

De Candia, Evans, Barcellona, Iniesta, Piazzola, Beaumont, etc

Orquesta y Coro del Teatro Real

Daniele Rustioni, director musical

Cuando en una ópera se aúnan tantos talentos, es difícil que el espectador no quede defraudado.En  su última y magistral ópera “Falstaff” (1893) el gran maestro del género, Giusseppe Verdi (1813-1901) basándose en Shakespeare y apoyándose en el compositor y libretista Arrigo Boito – que preparó para el maestro un formidable libreto – nos ofrece una ópera espléndida, a medio camino entre lo bufo y la comedia de enredo más distinguida, con el sello verdiano del gran canto, pero lejos de los tremendos dramas que el maestro de Busetto abordó , con enorme éxito en sus grandiosas óperas dramáticas ( Rigoletto,Trovador, Don Carlo, Otello).Si a todo esto añadimos una magnífica y sofisticada , pero clara y limpia puesta en escena, con gran naturalidad en el movimiento escénico , un excelente elenco de cantantes que se divierten cantando-y nos divierten- y una extraordinaria dirección musical de Daniele Rustioni, idiomática, con nervio, sutil pero brillante y  elegante, no podemos sino suscribir el triunfo de este montaje de “Falstaff” un gran título operístico con el cual es fácil fracasar por su dificultad tanto vocal, como escénica.A destacar en el apartado canoro los roles femeninos, a cargo de Rebecca Evans, Daniella Barcellona y Ruth Iniesta y por supuesto el protagonista, el orondo , bribón pero bonachón Falstaff que encarna magníficamente Roberto de Candia. En buena línea el resto de cantantes todos muy acertados en los complicados quintetos, sextetos y conjuntos, etc con los que Verdi se despide de “su” género y de su larga y gloriosa carrera, bien resueltos por la batuta de Rustioni. El director de escena Laurent Pelly ( también figurinista) traslada el Falstaff a los años 60 del siglo pasado con sentido, sensibilidad, y un poder visual muy atractivo (escenografía estupenda de Bárbara Limburg), muy atento al movimiento escénico y a un sutil toque de comedia.En definitiva, éxito sin paliativos en el Teatro Real, con un “simpático” burlador “burlado” al que echaremos de menos, hasta la próxima ocasión…Chi Vediamo, caro Falstaff!!!

LUIS AGIUS

Fantasía Coral op 80 para piano, coro y orquesta

Triple Concierto op 56 para piano , violín y violonchelo

Bertrand Chamayou piano (Fantasía)

Piau, Morel,De Barbeyrac, Sempey

Conunova, Clein,Kadouch (op 56)

Accentus

Insula Orchestra

Laurence Equilbey, director

ERATO (Warner Classics) 0190295505738

Como anticipo a los grandes fastos que nos esperan el próximo año 2020 con la conmemoración del 250º aniversario del nacimiento de Ludwig Van Beethoven el sello ERATO, distribuido por Warner Classics, presenta un inhabitual, atractivo  y extraordinario disco compacto dedicado a dos obras bellísimas del sordo de Bonn, que se interpretan de manera relativamente infrecuente -pese a ser sobradamente conocidas- con cierta injusticia, como en particular en el caso de la formidable, soberbia e imaginativa “Fantasía Coral op 80”, que se toca con mucha menor frecuencia que tan espléndida obra merece.

Respecto de la otra obra incluida en el registro, el hermoso Triple Concierto para piano, violín y cello, ha quedado ensombrecido por los cinco grandes conciertos para piano y el monumental Concierto para violín op 61, pero guarda numerosas bellezas en su interior.Los intérpretes (Conunova, violín, Kadouch, piano y Clein, cello) nos ofrecen una versión luminosa, elegante, apolínea, transparente y fiel al estilo muy bien secundados por la batuta de Equilbey. Por su parte la “Fantasía Coral” , mal entendida durante mucho tiempo como un simple ensayo de la Novena Sinfonía, es como queda dicho una obra fascinante, intensa, vigorosa , triunfal y heroica y así nos la ofrecen Bertrand Chamayou al piano, con una digitación y un fraseo  cristalinos, un empuje y un vigor colosales, y el magnífico coro Accentus con un Laurence Equilbey sensacional. La mejor versión moderna de esta obra, debida a la gran pianista francesa Helen Grimaud, el Coro Eric Ericsson, la orquesta de la Radio Sueca y el magnífico director Esa-Pekka Salonen, verdaderamente apabullante, es insuperable , pero los intérpretes de Erato no se quedan lejos. Disco compacto ideal para aquellos que quieran conocer un Beethoven infrecuente, con obras notables, bien tocado y grabado.

LUIS AGIUS

Concierto para violonchelo y orquesta (primera grabación mundial, febrero de 2018)

Yo Yo Ma, cello

Los Angeles Philarmonic Orchestra

Esa -Pekka Salonen, director

SONY CLASSICAL 19075928482

Después de la aparición hace unos años de su magnífico concierto para violín, el formidable director de orquesta y compositor finlandés, Esa Pekka Salonen, director de la Philarmonica de Londres, nos ofrece, de la mano de SONY CLASSICAL, una extraordinaria grabación de otra nueva obra, el sobresaliente “Concierto para violonchelo” figurando como solista uno de los violonchelistas más reputados de la esfera internacional, el gran Yo Yo Ma.En efecto, nos encontramos ante una obra de vanguardia excelente tanto en el fondo como en la forma, llena de belleza y sutileza tímbrica, que juega con elementos impresionistas y atonales, configurando un mosaico sugerente y fascinante. Salonen, despliega un conocimiento profundo de la materia musical, la forma, la orquestación y la escritura para el violonchelo, un instrumento capital en la historia de la música y al que otros maestros contemporáneos, como el prestigioso compositor francés Henri Dutilleux han dedicado grandes obras. Este disco compacto no defraudará a los amantes de la mejor música de vanguardia, aquella que rinde tributo al pasado mirando al mismo tiempo al futuro.Yo Yo Ma toca espléndidamente como el indiscutible virtuoso  que ha demostrado ser a lo largo de su carrera. Magnífica respuesta orquestal de la Filarmónica de Los Angeles, orquesta de la que Salonen- director experimentado en todos los repertorios- ha sido titular durante largos años.Excelente grabación.Enhorabuena al Maestro Salonen, por todos los conceptos.

LUIS AGIUS