DANIEL BIANCO:”MI OBLIGACIÓN ES HACER SABER A TODOS LOS PÚBLICOS, CON EL MÁXIMO NIVEL ARTÍSTICO, QUE LA ZARZUELA EXISTE”

Daniel Bianco es actualmente director del Teatro de la Zarzuela, cargo que ocupa desde hace varios años.Anteriormente fue director técnico del Teatro Real y es escenógrafo, con una gran experiencia y dilatada trayectoria artística. Fue asimismo durante 8 años director adjunto del Teatro Arriaga de Bilbao . 

Bianco, que es un hombre de teatro que destila un contagioso dinamismo y un apasionamiento notable en sus convicciones artístico- musicales además de una de las grandes personalidades de la música y del teatro de nuestro país, se acerca al PARNASO DE LAS ARTES y responde a las diversas cuestiones que le planteamos sobre su experiencia artística, la temporada del Teatro de la Zarzuela que comienza y el panorama musical en general.

PARNASO.-Muchas gracias,Daniel por visitar el Parnaso de las Artes , es un gran honor para esta revista ¿Goza la Zarzuela, o como usted prefiera llamarla “teatro lírico español” de buena salud en la actualidad? ¿Cómo está valorando la respuesta del público , respecto de la pasada temporada y qué espera de la que comienza? 

DANIEL BIANCO.-Goza de buena salud. En algunos momentos ha estado maltratada por la historia, pero el público responde porque toca directamente el alma popular y porque es un teatro musical. En la mayoría de las zarzuelas, el público sale con una sonrisa y siempre ha tenido un público fiel, que yo respeto mucho, ya de una cierta edad, pero al que debemos agradecer tener Zarzuela hoy. Hay otro público joven que se está acercando, hemos bajado la media de edad en 9 años.Las cifras dicen que hemos aumentado el número de abonados, y hemos ido a la Plaza Mayor y se juntan 8000 personas para escuchar Zarzuela. Tenemos que hacer mucho más, pero goza de buena salud. 

PARNASO:– ¿Cuál es su percepción respecto del problema del envejecimiento de los públicos en nuestros teatros y en el Teatro de la Zarzuela en particular en los diferentes espectáculos, funciones y conciertos que ofrece? 

Daniel Bianco

DANIEL BIANCO.-Hay personas que pertenecen a una generación que ha sido afortunada, en mi caso , yo he pertenecido a una familia que iba al teatro, yo tenía un vínculo con el teatro. La actividad teatral es muy importante y muy necesaria , es una acto de generosidad.La Zarzuela es la unión perfecta teatro –música como lo puede ser la comedia musical o la Opera. Yo comencé con la Opera, pero en el teatro Avenida de Buenos Aires escuché mis primeras zarzuelas.De los títulos que recuerdo están La Verbena de la Paloma, Doña Francisquita... Los adolescentes actualmente no van a un teatro a ver un espectáculo musical, es muy difícil que lo hagan. Antes no tenían la entrada de última hora, pero ahora tienen tal cantidad de estímulos, hay tanta oferta , que no ven nada.Una manera de acercarse es a través de las transmisiones por internet para acercarse a la gente joven , porque el público de más edad va por propia voluntad, pero el público joven entra por los canales de internet.Yo como director de un teatro público tengo la obligación de mostrarles lo que es la zarzuela, tengo que hacerles saber que existe, porque está en nuestro ADN.Un chaval de 16 años tiene que estar motivado para ver una ópera , un Tristán e Isolda o una zarzuela, Doña Francisquita, que queden impactados y que vuelvan. En este sentido, tenemos un proyecto pedagógico, el proyecto Zarza, que tiene por objetivo que se acerquen a la Zarzuela. .Tiene que haber además un cambio de la estética, que vengan grandes cantantes para elevar el nivel.Tenemos que hacer producciones de un nivel estético , de un nivel teatral de compromiso elevado, como ya lo ha hecho laOpera.También hay que abrir la Zarzuela a otros profesionales extranjeros, como ya lo hice por ejemplo con Giancarlo del Monaco, que ha dado una visión contemporánea de la Zarzuela, que se acerca a nosotros. 

PARNASO.- Como director de escena ¿qué criterio debe prevalecer a la hora de producir un montaje de teatro musical: el del director escénico, el del musical, las exigencias de los cantantes…? 

D.BIANCO.-Como decía Montserrat Caballé, los artistas son los compositores, nosotros somos los intérpretes.Tiene que haber un equilibrio entre el director de escena y el musical.Pero tiene que haber respeto y compromiso.Yo soy extremadamente respetuoso con la música.En el teatro musical no se puede romper el ritmo de la obra , que marca el compositor a través de la música.Hay que profundizar en una partitura.La dirección de escena es muy importante pero no tolero la falta de respeto a a la música.Por otro lado, en lapuesta en escena,la provocación no me interesa, puede ser que exista, que se cambie todo, pero lo importante es que se pueda llegar al final de la obra.No debe haber engaño.Tiene que haber un equilibrio.Siendo escenógrafo doy mucha importancia al pulso, a la partitura.Doy mucha importancia a los intérpretes, es muy importante que los cantantes comprendan también que es muy importante cantar y actuar. 

PARNASO.-Daniel ¿cuál es su visión de la zarzuela en relación o comparación por ejemplo con la opereta vienesa , el singspiel alemán, la comedia musical americana o la ópera popular berlinesa de la época de Weimar? 

D.BIANCO.-Es exactamente lo mismo, solo que son localistas.En mi caso, no puedo programar una opereta o comedia musical americana – aunque no creo que se me pusieran inconvenientes- porque los estatutos me obligan a difundir el repertorio español, sobre todo teniendo en cuenta la necesidad de recuperar una gran parte del repertorio y hacer nuevas creaciones, lo cual me interesa más. 

PARNASO:– Pero ¿ no se podría confrontar en un mismo programa una zarzuela breve y una opereta vienesa? 

DANIEL BIANCO.- Sí, sería muy largo , pero estoy valorando hacerlo en versión de concierto. 

PARNASO.-¿Qué le diría a todos aquellos melómanos y en particular a los críticos musicales que menosprecian la Zarzuela o piensan que se trata de un género “menor”? 

D.BIANCO.-Lo primero que les diría es que se relajen y disfruten.La Opera toca temas universales, en la Zarzuela no hay una “Medea” o una “Antígona” . En la Zarzuela hay músicas muy buenas ,en libretos algunos son muy flojos, pero superan a La Sonámbula o a Il pirata. Yo les diría que se acerquen con relajación, hay un acto de entrega, de solidaridad cuando se asiste al teatro.Por otro lado, el espectador a la primera persona que ve es a la taquillera, luego al que corta el ticket, luego al acomodador. Hay que hacer de la experiencia de acudir al teatro algo acogedor.Que se relajen. 

PARNASO:– La programación de esta temporada 19/20 del TZ es muy variada y atractiva, se alternan grandes títulos de siempre como Luisa Fernanda, La tabernera del puerto así como El caserío, con estrenos como el de la zarzuela contemporánea “Policías y ladrones” y la comedia musical “Cecilia Valdés”. Además , hay varios géneros musicales presentes, como el flamenco, la música instrumental contemporánea, el musical,además de albergar el ciclo de “lied” (canción de cámara), incluso el pop ¿Qué aspectos resaltaría como más importantes y que justificarían que el público madrileño y de otros puntos de España asistiera al TZ? 

DANIEL BIANCO.- Es una programación plural , continuadora de un proyecto comenzado en 2015.Estoy muy feliz de estrenar una zarzuela cubana, Cuba tiene más de 250 títulos que no conocemos y se trata de un proceso de ida y vuelta. Me parece increíble que no conozcamos los títulos de zarzuela que ha producido un continente entero. Por ejemplo en Argentina tenemos el sainete criollo, y en Cuba todavía más títulos y géneros. También me parece importante la versión en concierto de Mirentxu porque nunca se ha hecho Mirentxu en euskera, y esto es para explicar a la gente que la zarzuela no es localista. La tabernera del puerto , por la huelga del año pasado no pudo hacerse, es un título que todo el mundo espera.La llegada de El Caserío, es algo a destacar, se trata de una producción muy buena, con la vuelta a este teatro del maestro Juanjo Mena. Hay una gran cantidad de artistas excelentes, hay una recuperación muy buena, “Farinelli” de Bretón , de la que me habló López Cobos.Luego el estreno de “Tres sombreros de copa” de Ricardo Llorca sobre uno de nuestros clásicos teatrales , Miguel Mihura. En el caso de Tomás Marco “Policías y ladrones” , que no se pudo hacer por la huelga.Y finalmente “Luis Fernanda” que hace años que no se monta, con el director Daniel Livermore, que abrió en una ocasión la temporada de L ́ Scala, y que no tiene prejuicios, me dijo “es como si estuviera haciendo un Verdi”. Este es un Teatro que lleva 165 años de historia, es un teatro donde había bailes de Carnaval, donde Lorca hizo de actor, donde vino Josephine Baker, vino la Callas, un teatro implicado con la ciudad, con Madrid. De pronto tener a Carmen Linares, Ismael Jordi, Erwin Schrott, Silvia Pérez Cruz, María Bayo, es muy atractivo. Así conseguimos que vengan nuevos públicos y vean el cartel de la programación de zarzuelas y así asistan a ellas. Yo no estoy aquí para programar lo que me gusta.Yo tengo que hacer un equilibrio para el público joven, para el público mayor y para la franja entre 35-y 65 años. Tengo que seducir a todos. Un ejemplo: el ambigú, es un sitio como el salón de casa, he buscado un teatro de proximidad, ha sido un éxito. Hemos hecho tango, música cubana, etc. Y ahora agregamos algo nuevo. La orquesta está siempre en el foso y ahora los domingos vamos a hacer música de cámara delante del telón. Esto da posibilidades a nuevos compositores. 

PARNASO.– Daniel ¿con qué teatro a escala europea es comparable el TZ o a cuál le gustaría que se pareciera por idoneidad y calidad de la programación? 

DANIEL BIANCO.-A ninguno.Este es un teatro único en su género en el mundo. Es el único dedicado a la Zarzuela. Puede haber uno similar, el Chatelet, teatro musical de París, pero he viajado mucho y no hay referentes. En la Opera todo el mundo es capaz de tolerar los cambios de dramaturgia y época, porque la gente viaja o sigue lo que pasa por ejemplo en Canadá o en cualquier parte del mundo. La Zarzuela no hay donde verla, solo nuestras producciones que colgamos en nuestra web.Lo que se ve, en general por el mundo, es muy malo. Me dicen los mejicanos “cuando vemos una zarzuela en you tube , lo que se ve es muy malo”. Evidentemente nosotros debemos hacerla muy bien porque tenemos los medios y el presupuesto para ello. 

PARNASO.– Si tuviera que hacer un ejercicio de autocrítica, ¿qué mejoraría Daniel Bianco de los aspectos artísticos del TZ?¿cree que sería deseable mejorar el nivel de la orquesta o el coro titulares del teatro? ¿trabajar con más directores musicales? ¿buscar nuevos títulos más accesibles al gran público o por el contrario más inhabituales? 

DANIEL BIANCO.-Más que autocrítica, es mi trabajo diario. Me parece que el nivel musical, el sonido es muy importante. Trabajo cada día para mejorarlo. Traemos grandes directores musicales, pero el período que se roba a los maestros es mucho porque hay muchas funciones. Estoy muy contento con el coro. Me gustaría poder llevar a cabo un proyecto de retransmisión en los cines de determinadas zarzuelas. No depende de mí sino de la reforma del INAEM pero es voluntad del ministro hacerlo. No creo que deje de venir gente al teatro por ver la Zarzuela en los cines. En todos los pueblos hay una Casa de Cultura, es solo bajar una pantalla. México es muy grande, Argentina es muy grande, Chile es muy grande. Creo que hay 500 millones de personas que hablan nuestra lengua, ese sí sería un objetivo al que tengo que llegar. Por lo demás, mi objetivo es mantener el nivel. Este teatro es una “casa” como dicen los ingleses, una Opera House, intento que todos los trabajadores estén bien.Los ingredientes tienen que ser los mejores.El arte no es matemáticas, no se pueden escatimar esfuerzos para coordinar a todos. 

PARNASO.– Los programadores y directores artísticos tienen que contentar a todos los públicos y ofrecer tanto obras del repertorio como otras que no son del gusto del público. Por otro lado, es obvio que estamos en un momento en el que prima la concepción de la cultura como espectáculo y además , como espectáculo trivial¿Cómo ve usted Daniel el panorama cultural en España en este aspecto y en general? 

DANIEL BIANCO.-Yo entiendo que la cultura teatral, musical tiene una gran parte de entretenimiento.Me molesta que los políticos confundan la cultura con el ocio.La cultura forma parte de la formación.Leer te ayuda a pensar y discernir.Los pueblos cultos están menos castigados,la política en general en el mundo se olvida de la cultura, porque se piensa en un gran espectáculo: “hemos traído a un gran artista , 50000 personas”, pero eso no es cultura.Cultura es por ejemplo que la Zarzuela se estudie en los conservatorios, que se hable de Durón.Me preocupa esto porque del planeta los políticos hablan pero no hacen nada.De la cultura, los políticos ni hablan.Cuando vas a ver un buen concierto,hay algo, la música, que es alimento del alma.Yo les pediría a los políticos que se dedicaran más al proyecto cultural. 

PARNASO.-Daniel, usted cree esencial que las grandes figuras españolas del bel canto intervengan más activamente en favor de la Zarzuela, implicándose en cantar más títulos o en intervenir más en montajes ¿Y que lo hagan grandes figuras internacionales hispanoamericanas, como por ejemplo Juan Diego Flórez? 

DANIEL BIANCO.-Sí, y lo hemos hecho con Camarena, con éxito y va a venir Sonia Yoncheva.Algunos se asustan por el idioma, pero no es el caso de Juan Diego, claro. 

PARNASO.– Daniel , permítame ahora que le plantee un pequeño “juego cultural” que creemos que pueder ser muy interesante y aleccionador para los lectores del Parnaso y es que nos comente, desde su gran experiencia y conocimiento , con una sola palabra, y de forma espontánea, lo que le sugieren los siguientes grandes nombres relacionados con la música y el teatro: 

Teatro Colón 

Mi infancia 

La verbena de la Paloma 

Una banda sonora de mi familia 

Ediht Piaf 

Cuando yo tenía 12 años los le pregunté a mi tía quién era Edith Piaf. Es fundamental en mi vida. 

Kurt Weill 

Me apasiona 

El fado 

Es una música que me entristece mucho 

Lluís Pasqual 

Primero, cuando le conocí, un gran maestro y luego, un gran amigo 

Mozart 

Le admiro profundamente. Cuando he hecho cosas de Mozart, parece muy simple , sobre todo cuando lo escuchas. Escenográficamente es muy difícil. Don Giovanni es casi imposible. Me hubiera gustado hablar con él. Creo que fue un hombre sumamente libre, como Picasso. 

West Side Story 

Me marcó mucho de joven. Significó que me gustara la comedia musical. Nunca me cansa. La encuentro muy actual 

Silvia Pérez Cruz 

Una artista que parece que me canta al oído 

José Carlos Plaza 

Nunca he trabajado con él Le respeto muchísmo por su empeño y honestidad 

El Teatro de la Zarzuela 

Mi casa 

PARNASO.– Muchas gracias Daniel, le deseamos todo el éxito en su apasionante labor en el Teatro de la Zarzuela 

© LUIS AGIUS


IVO POGORELICH interpreta Sonatas para piano de Beethoven y Rachmaninov

Beethoven: Sonatas  para piano nº 22, op 54 y nº  24, op 78

Rachmaninov: Sonata para piano nº 2 op 36 (revisión de 1931)

Ivo Pogorelich, piano

SONY Classical 19075956602

Cuando en el ya lejano 1982, Ivo Pogorelich (Belgrado, 1958) irrumpió como un meteoro en la escena pianística internacional gracias a un soberbio disco compacto en el que tocaba la Sonata nº 32 op 111 de Beethoven y los Estudios Sinfónicos de Schumann para el prestigioso sello Deutsche Grammophon, la crítica y los melómanos quedaron deslumbrados por un pianista de una portentosa técnica, que pese a su juventud, afrontaba con osadía, temperamento, apasionamiento y sensibilidad el gran repertorio. A partir de ese momento, Pogorelich desarrolló una grandísima carrera artística que le llevó por todo el mundo y que le hizo grabar discos compactos tocando desde Scarlatti a Tchaikovsky, pasando por Haydn, Mozart, Chopin, Liszt, etc. con asombrosos resultados. Cada vez fue buscando profundizar más en la música, pero un día su carrera se truncó, a partir de la muerte de su esposa, mentora y profesora, la también pianista Alicia Kerezade, hecho que le sumió en una profunda depresión. Después de algunos años de carrera intermitente y errática, plagada de altibajos, lo encontramos ahora, con un retorno imponente y poderoso de la mano de Sony Classical, gracias a magníficas interpretaciones de importantes Sonatas para piano de Beethoven y de la extraordinaria Sonata op 36 de Rachmaninov. Tal y como puede apreciarse es evidente que Pogorelich ha querido unir para su retorno al mundo de la grabación a dos compositores-virtuosos intérpretes del piano, tocando obras de calado (si bien quizá un binomio Sonatas Waldstein o Appassionata de Beethoven confrontado a Rachmaninov aún hubiera sido más atractivo). En todo caso, Pogorelich nos ofrece una visión muy personal de estas obras, con tempi más bien lentos (o muy pausados) un fraseo muy hermoso, cierta dureza en la pulsación y en los ataques, pero a la par con una profunda carga emotiva y una todavía más profunda introspección. El resultado es muy interesante y atractivo en Beethoven. Particularmente en la bellísima Sonata nº 24, excepcionalmente tocada, y sobresaliente e imponente en Rachmaninov, colosalmente servido, en su justa medida, sin sentimentalismos, con una notable sensibilidad y formidable virtuosismo. Este retorno a los estudios de grabación es muy prometedor y los melómanos debemos estar de enhorabuena, porque  Ivo Pogorelich es sin duda un maestro que tiene mucho que decir y que aportar. Grabación de gran presencia. Muy recomendable.

LUIS AGIUS


beatrice rana

Beatrice Rana  interpreta las “Variaciones Goldberg”  BWV 988 de J.S. Bach 

Beatrice Rana, piano

 Warner Classics CD  0190295880187

El gran pianista y director de orquesta Daniel Barenboim declaró en una ocasión que viajó con  la partitura de la “Variaciones Goldberg” de Bach durante más de veinte años y que la estudiaba entre concierto y concierto de extenuantes giras con obras de otros compositores, hasta que por fin se decidió a grabar la obra en un registro en vivo , procedente de un recital en el Teatro Colón de Buenos Aires (publicado en el sello Erato hace largo tiempo). Ciertamente las “Variaciones Goldberg” por su suprema perfección, por su soberana belleza, por su dificultad técnica y  por su halo de misterio (son, al parecer, un simple encargo para paliar el insomnio del  conde Keyserling, el cual haría que se las tocase al clave el joven clavecinista Goldberg y de ahí viene su apelativo mundialmente conocido) se erigen sin embargo como una de las obras más trascendentales de Bach y por ende, de la historia de la Música. Interpretadas desde el siglo XIX hasta nuestros días indistintamente en el clave, clavicémbalo, piano moderno, órgano o incluso en versión de trío de cuerdas o de cuarteto de jazz, resisten todas la versiones, todos los análisis, y se escapan como arena entre los dedos. La competencia entre los clavecinistas ( históricos como Landowska, Kirpatrick, Leonhard, y modernos como Belder, Hantaï, Pinnock y Rousset) y los grandes pianistas de todas las épocas por alcanzar una interpretación no solo solvente y rigurosa, sino “definitiva”, ha sido feroz, desde que irrumpiera  el genial pianista canadiense Glenn Gould como un meteoro con su fascinante versión para CBS (ahora SONY) de 1955 y su más introspectiva de 1982, poco antes de su muerte. Otros grandes pianistas que nos han dado excepcionales versiones han sido Murray Perahia, Alexis Weissenberg, Wilhem Kempff, Rosalyn Tureck, el citado Barenboim y más modernamente Igor Levit (formidable) y Alexandre Tharaud. En esta ocasión, la joven pianista italiana Beatrice Rana nos convence, apasiona y seduce con una interpretación cálida, vertiginosa en la articulación, elegante, fresca, y de gran fluidez y naturalidad. Su sonido es bello, los adornos hermosísimos, prístinos en su ejecución, los acentos muy bien definidos y marcados. Pero su preciosismo técnico no es vacuo y la pianista italiana nos ofrece una notable capacidad introspectiva en la ejecución, que convierte en un gran placer íntimo la escucha de su versión de las “Goldberg” lejana a la austeridad germana, pero que sin duda el propio Bach aplaudiría por su equilibrio entre análisis y suprema belleza, porque el fraseo de cada motivo, de cada tema, de cada canon, danza, variación, nunca es caprichoso sino fruto del rigor, pero sin merma de una deslumbrante emotividad. Beatrice ha ascendido la “montaña dorada” que es más bien la “montaña sagrada” y ha llegado y nos hace llegar a la cumbre. Formidable grabación, de gran espectro y fidelidad.

LUIS AGIUS

FILARMÓNICA DE VIENA, GUSTAVO DUDAMEL Y YUJA WANG

Sommernachtskonzert  2019 (concierto nocturno estival de la Filarmónica de Viena, 20 de Junio de 2019)

Obras de  Bernstein, Gershwin, Johan Strauss, Max Steiner, Barberm Dvorak, Copland, etc)

Yuja Wang, piano 

Wiener Philharmoniker

Gustavo Dudamel

SONY CLASSICAL DVD 19075943559

Cada verano la Filarmónica de Viena, una de las más prestigiosas orquestas del mundo, celebra su “concierto de verano” (Sommerkonzert)  unas especie de continuación del universalmente conocido “Concierto de Año Nuevo”. En este caso, el concierto estival se celebra al aire libre en los suntuosos jardines del imponente Palacio de Schönbrunn. SONY presenta el DVD de la grabación en vivo del concierto de este 2019, cuyo programa estuvo dedicado a celebérrimas obras de la música norteamericana del siglo XX: la Rapshody in Blue de Gershwin, el Adagio para cuerdas de Samuel Barber, la obertura de Candide de Bersntein, una página de “Rodeo” de Aaron Copland, o bien relacionadas con América (al final del concierto se ofreció el Finale de la Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvorak). Los grandes músicos invitados por la orquesta en esta oportunidad fueron la joven y magnífica pianista china Yuja Wang y el famoso director venezolano Gustavo Dudamel, los cuales nos ofrecieron una sobresaliente versión de Rapshody in Blue, en la que también brillaron el viento-madera y los metales de la Filarmónica de Viena. Wang nos ofreció una interpretación vibrante, virtuosística, de tintes jazzísticos, cargada de matices y muy sutil, delicada y apasionada a un tiempo. Sensacional. Dudamel, por su parte acompañó maravillosamente, con gran sentido del ritmo y el color tanto en la Rapsodia, como en general  en todo el concierto ya que este repertorio le va como anillo al dedo (también muy intensa y fogosa su interpretación de Dvorak y Bernstein). En el resto del programa , las marchas y músicas incidentales de Max Steiner (Suite de la música de la película Casablanca. Sousa, Ziehrer y los dos valses bellísimos de Strauss, “Jubilée “ y el inmortal “Wiener Blut” ( “Sangre Vienesa “) el venezolano, por contra, estuvo  un tanto banal. Sin embargo, la protagonista indiscutible de esta velada festiva y multitudinaria al aire libre fue la propia Filarmónica de Viena, que demostró una vez más que es una de las mejores orquestas del mundo, ya que en un repertorio que le es lejano y un tanto ajeno brilló esplendorosamente, tocando con gran color y virtuosismo, pero a la par con gran rigor e impulso rítmico,  y un empaste y un bellísimo sonido en la sección de cuerda inigualables (probablemente la mejor del mundo en la cuerda)que hacían incluso olvidar a cualquiera de las grandes orquestas americanas.

Un DVD en suma muy disfrutable, con realización visual correcta pero muy convencional y soberbia toma de sonido al aire libre. Filarmónica de Viena, por siempre y para siempre, espectacular.

LUIS AGIUS

SCHUMANN, Concierto para violonchelo op 129

Obras para violonchelo y piano, (op 73,70, 102)

Sol Gabetta, violonchelo

Bertrand Chanayou, piano

Orquesta de Cámara de Basilea

Giovanni Antonini

SONY CLASSICAL 88985352272

Sobresaliente disco compacto el que presenta el sello SONY con un repertorio de páginas dedicadas al violonchelo romántico debidas a la inspiración del gran Robert Schumann (1810-1856)  muy similar en cuanto al contenido respecto del que comentamos desde estas mismas páginas hace varios meses en la interpretación del extraordinario violonchelista francés Gautier Capuçon, con la colaboración de insignes intérpretes como la formidable pianista Martha Argerich en las obras para cello y piano (piezas de fantasia, op 73 y op 88, etc) y la Orquesta de Cámara de Europa con el veterano maestro Bernard Haitink, un director de extremado prestigio. En esta ocasión es la diva del “cello” Sol Gabetta la que nos conmueve -y asombra con su manejo del arco- con una extraordinaria interpretación, llena de efusión e intensidad de las páginas camerísticas de Schumann, excelentemente acompañada por el pianista francés Bertrand Chamayou -con elegancia, sensibilidad y brillantez- pianista de  notable valor, con gran proyección en el circuito internacional. Muy buena, sólida y convincente la versión del bellísimo Concierto para violonchelo y orquesta, con una estupenda Kammerorchester Basel y correcta dirección del director especialista en música barroca Giovanni Antonini. Registro pues especialmente recomendable por la frescura,intención, plenitud romántica y entrega del que hacen gala Sol Gabetta y Chamayou. Excelente grabación.

LUIS AGIUS

LA GRAN EPOPEYA DE BERLIOZ: LOS TROYANOS

Los Troyanos, Héctor Berlioz
Les Troyens

«Les Troyens» gran Opera de Hector Berlioz sobre»La Eneida» de Virgilio

Joyce DiDonato, Michael Spyres, Marie-Nicole Lemieux, Stephane Degout, Richerd Rittelmann, etc, solistas.

Coro de la Filarmónica de Estrasburgo, Coro de la Opera de Baden, Coros de la Opera Nacional del Rhin.

Orquesta Filarmónica de Estrasburgo

John Nelson, Director

WARNER 4 CD + dvd bonus (grabación de 2017) 0190295762209

El Parnaso de las Artes quiere sumarse a la conmemoración que celebramos este año 2019 del 150º aniversario de la muerte del gran compositor francés Hector Berlioz (1803-1869) uno de los grande músicos del Romanticismo, coetáneo de Mendelssohn, Chopin, Liszt, Schumann, Wagner, y con cuya archiconocida y maravillosa Sinfonía Fantástica de 1830 se inauguró el Romanticismo en lo musical. Berlioz, de atribulada vida, pues padecía de episodios alternativos de euforia y depresión mantuvo sin embargo un actividad compositiva muy intensa, especialmente en sus primeros años, si bien en el campo operístico solo perduran en el gran repertorio su magnífica ópera “Benvenuto Cellini” y más recientemente su colosal y majestuosa ópera “LOS TROYANOS” que pese a sus vastas dimensiones y efectivos musicales (tres coros, 18 solistas, gran orquesta de más de cien músicos)  Berlioz compuso con relativa celeridad (dos años, terminada en 1858). Sin embargo, el compositor francés no pudo ver estrenada en vida esta magna y bellísima obra, tal y como la conocemos, pues hubo de dividirla en dos partes por su excesiva duración y la dificultad de su montaje para la época.

Benvenuto Cellini

El sello Warner lanza de nuevo, además de una caja conmemorativa de varios discos compactos con lo mejor de la obra musical de Berlioz (y la reedición de la excelente versión de Benvenuto Cellini”, dirigida por John Nelson), esta sensacional versión de Los Troyanos de 2017 a cargo de la experimentada batuta del director John Nelson, un auténtico especialista berliozano y excelente director de ópera. Toda la ejecución musical en esta interpretación resulta nítido, natural, dramático en el mejor sentido, épico y lírico, con notable brillantez,  pero sin caer jamás en la ampulosidad. Magníficos los cantantes, en especial las mezzosopranos Marie Nicole Lemieux y la gran diva Joyce DiDonato, extraordinarias ambas tanto vocal como dramáticamente en sus dificilísimos roles de Casandra y Dido, respectivamente. La ejecución de la ópera se ofrece completa, en versión de concierto, y los tres coros intervinientes son sensacionales, empastados, dando la imprescindible sensación de “masas corales” que dotan de majestuosidad y colosalismo a la acción dramática que requiere esta obra. Los 4 cds de la grabación se completan con un DVD -bonus, en el que podemos visionar varios números de esta ópera formidable. En definitiva, gran tributo a Berlioz en el 150º aniversario de su muerte, muy recomendable para los melómanos amantes de la opera. Extraordinaria grabación, de gran presencia y fidelidad y eficaz realización y montaje del DVD.

LUIS AGIUS

 “IL TROVATORE” de Giusseppe Verdi, ópera basada en el drama de Antonio García Gutiérrez del mismo título “El trovador” (1836)   (Libreto: Salvatore Cammarano )

Función del 9 de Julio de 2019

Teatro Real de Madrid

Producción del  Teatro Real en coproducción con Royal Danish Opera y Opera de Montecarlo

Dirección de escena:Francisco Negrin

Escenógrafo Louis Desiré

Elenco

Francesco Meli, Ludovic Tezier, Maria Agresta, Ekaterina  Semenchuk

Orquesta y Coro del Teatro Real

Maurizio Benini, director musical

El Teatro Real ha celebrado  su semana de la Opera, con una notable , eficaz y ambiciosa producción de “Il Trovatore” de  Giuseppe Verdi (1813-1901), una de las tres grandes óperas románticas que conforman la formidable trilogía de títulos que compuso entre 1851-1853 (Rigoletto, Trovador y Traviata) y que cimentó su justa fama para siempre. Estas funciones de “Il trovatore” en el Real, una ópera llena de arias, dúos, tercetos, y coros memorables, ha contado con un sobresaliente y solvente elenco de cantantes, que han afrontado sus complicados y muy exigentes vocalmente roles con intensidad, pasión, y teatralidad. Así, han destacado la excelente musicalidad y brillo vocal de la Leonora de María Agresta, el empaque y la  potencia vocal de Ludovic Tezier, y la pasión y sensibilidad de Ekateria Semenchuk como Azucena.

En un nivel inferior se colocó el tenor Francesco Meli, en el papel de Manrico, que se entregó vocalmente, pero al que le faltó “apianar” debidamente en ocasiones. Muy acertado el coro en sus inolvidables números y absolutamente extraordinaria la dirección musical de Maurizio Benini, idiomática, brillante, sensible, detallista, acompañando el canto de manera sensible , fluida ,  dirigiendo a la antigua, con tempi de gran naturalidad, y obteniendo una magnífica y contundente respuesta orquestal, poniendo de relieve todos los matices dramáticos de esta gran ópera.Inteligente y limpia puesta en escena de Francisco Negrín (y eficaz escenografía de Louis Desiré), que sin distraer al espectador ni  interrumpir la acción dramática, la potenció con múltiples detalles de carga simbólica, situando al espectador en el gran drama romántico, y en el fuego y pasión verdianas.

LUIS AGIUS

Integral de las Sinfonías de Robert Schumann

  • Sinfonía nº 1 op 38 “Primavera” 
  • Sinfonía nº 2, op 61
  • Sinfonía nº 3 “op 97 “Renana”
  • Sinfonía nº 4 op 120

Staatskapelle Dresden

Christian Thielemann, director
SONY CLASSICAL  2 CD 19075943412

Las cuatro Sinfonías de Robert Schumann (1810-1856) constituyen un pilar básico del repertorio musical y son consideradas desde el siglo XIX como cuatro joyas de la literatura sinfónica, que pronto gozaron del favor del público y desde el siglo XX son interpretadas en vivo y grabadas de manera permanente en todas las salas de concierto del mundo. Estas cuatro sinfonías , muy diferentes entre sí, contienen un inagotable cúmulo de bellezas y sintetizan lo mejor del romanticismo musical alemán y sus ideales de belleza, pasión, lirismo, y lenguaje noble y heróico (si bien su orquestación ha sido objeto de juicios un tanto negativos y fueron incluso re-orquestadas por grandes compositores, entre ellos Mahler) El prestigioso director alemán, Christian Thieleman, una de las grandes batutas de nuestros días, gran wagneriano y formidable traductor del repertorio sinfónico centroeuropeo del siglo XIX ( Beethoven, Brahms, Bruckner, Richard Strauss) nos ofrece, con la orquesta de la que es titular, , la maravillosa Staatskapelle Dresden –Orquesta Estatal de Dresde- una lectura ejemplar del ciclo sinfónico schumaniano, absolutamente rigurosa, idiomática, brillante, fiel al estilo y de bellísimo fraseo, obteniendo una soberbia respuesta orquestal de la orquesta, que nos demuestra su musicalidad, empaste ,afinación y precisión en el ataque , además de un suntuoso sonido. A destacar la versión de la Segunda Sinfonía op 61, verdaderamente apoteósica de principio a fin, pero especialmente en su conmovedor Adagio y en el vibrante Finale, absolutamente arrollador.También magnífica la  épica y dramática Cuarta sinfonía, de una asombrosa ejecución orquestal. Muy equilibradas y sin fisuras , de gran solidez y elocuentes las versiones de ea Primera Sinfonía “Primavera” (sensacional finale) y Tercera “Renana” (memorable cuarto movimiento).Thielemann está soberbio en todos los aspectos (tempo, dinámica, etc) en la línea de los grandes directores del siglo XX en este repertorio (Furtwangler, Karajan) y los veteranos maestros actuales (Barenboim y Muti) pero imprimiendo su sello característico de detallismo y acento germano. Toma de sonido en vivo durante una gira de conciertos en Japón, espectacular. Imprescindible.

LUIS AGIUS

Concertgebouw Grote Zaal

CONCERTGEBOUW AMSTERDAM: UNA ORQUESTA DE ENSUEÑO

Espectacular concierto de la Concertgebouw Orkest de Amsterdam (Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam)

CONCERTGEBOUW GROTES ZAAL 19 de Junio de 2019
Obras de Glanert, Tchaikovsky y Smetana

Nikolai Znaider, violín
Semyon Bichkov, director

En el glorioso e histórico marco de la Concertgebouw Grote Zaal, fundada en 1913, EL PARNASO DE LAS ARTES ha asistido a uno de los últimos conciertos de la temporada regular de la formidable orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, – sin lugar a dudas una de las mejores orquestas del mundo en estos momentos, y de larga y magnífica tradición – con un programa formado por un estreno de Detlev Glanert (1960) Weites Land (Musik mit Brahms, 2013) y dos maravillosas joyas del repertorio romántico, el bellísimo Concierto para violín op. 35 de Tchaikovsky y tres poemas sinfónicos del sensacional ciclo “Mi Patria” de Smetana (Vysherad, El Moldava y Sarka).

Nikolai Znaider

La actuación del violinista ruso Nikolai Znaider fue excelente, con un fraseo noble, cálido, elocuente, luciendo su gran técnica en las agilidades, luminoso en el primer movimiento, nostálgico y refinado en el melancólico Andante y brillante y virtuosístico en el finale en un tour de force extraordinario. El éxito fue grande y Znaider ofreció un bis de Bach, impoluto e introspectivo.

Semyon Bichkov

El acompañamiento orquestal en Tchaikovsky bajo la experta batuta de Semyon Bichkov fue esplendoroso, equilibrado, de un fraseo impecable y brillantísimo. En cuanto a Smetana, la interpretación de los tres famosísimos poemas sinfónicos elegidos por el director fue modélica, absolutamente idiomática y rigurosa. Bychkov impuso a partes iguales claridad expositiva y pasión y la respuesta orquestal de la orquesta holandesa fue soberbia. Extraordinaria acústica la de la Gran Sala del Concertgebouw, una sala de conciertos que todo buen melómano debe visitar, como si de una auténtica y obligatoria peregrinación musical se tratara.

LUIS AGIUS


Luis Agius