“Moby Dick, un ensayo”

Adaptación teatral del cásico de Hermann Melville “Moby Dick” por Orson Welles

Autor: Orson Welles

Edición de Ignacio García May

Editorial: Publicaciones de ADE , Asoc. de Directores de Escena, nº 98

Grande en talento, en humanismo y en humanidad (y en sus últimos años también  en obesidad, tras su prolongada estancia en España), el genial cineasta, actor, escritor, guionista y hombre de teatro y radio, Orson Welles (1915-1985) acometió con resolución la adaptación teatral de la inmortal novela de Hermann Melville “Moby Dick”, quién sabe si por imposibilidad de llevarla al cine por motivos económicos al no poder producir la película o no encontrar productor, o bien por resultarle más adecuado a sus objetivos artísticos y a sus deseos de volver a la escena, como actor y director. Sea como fuere, la película icónica sobre “Moby Dick” la rodó con gran acierto John Houston en 1956, con adaptación nada menos que del escritor Ray Bradbury, Gregory Peck como capitán Achab y el propio Orson Welles interviniendo antológicamente como Padre Mapple en su famosísimo sermón a los marineros de Nantucket. En la adaptación de Welles titulada “Moby Dick, un ensayo”, el gran cineasta crea con gran acierto la ficción del “teatro dentro del teatro” pues lo que vamos a ver representado no es una función de “Moby Dick”, sino un simple ensayo, casi una lectura dramatizada. Por ello, Welles, nos introduce con maestría y capacidad de síntesis en el ambiente previo al ensayo, a la preparación del texto, al intercambio o reparto de papeles y posteriormente nos introduce suavemente, sin que el lector o espectador lo perciba, en una función sin decorado ni atrezzo, donde sólo la mímica y la gestualidad de los actores y la iluminación reflejan todas las acciones físicas y ambientes que reclama la obra (caza de la ballena, trabajos marineros de navegación, vida a bordo, etc). Los personajes están magníficamente retratados, y Welles sigue fielmente el texto de Melville, si bien hay algunas disgresiones (como un diálogo entre Achab y el grumete Pip  que recuerda vagamente a una pantomima de ecos shakesperianos). Magnífico texto teatral donde Welles demuestra una vez más su inconmensurable talento. Esta obra se estrenó en junio de 1955 en Londres y después en Estados Unidos, en noviembre de 1962 en Broadway.Todavía en 1971, Orson Welles grabó algunos monólogos como capitán Achab, lo cual demuestra que quizá no le obsesionaba una ballena blanca, sino más bien ese formidable personaje. Muy interesante libro e imprescindible texto dramático para los amantes del teatro.

LUIS AGIUS

«Carlos Aladro arranca su proyecto artístico en La Abadía»

Balance y prospección

Hacemos balance de una temporada marcada por el compromiso con la memoria reciente y la lúcida mirada de aquellos creadores que se acercaron a ella: Club Caníbal, Krystian Lupa, Carles Alfaro, Dan Jemmett, Proyecto 43-2, José Luis Gómez o Claudio Tolcachir, entre otros, reflexionaban en gran medida sobre una disfunción ética en la sociedad que apunta directamente a la responsabilidad ciudadana: la del pensador frente a una sociedad convulsa, la del capitalismo desatado de las economías neoliberales, la ideología del terrorismo y la legitimidad de la tortura como método para combatirlo, los intereses entrelazados de la política y los medios de comunicación, los populismos y la nueva ultraderecha, la investigación científica para el desarrollo nuclear y, en general, la progresiva pérdida de derechos y libertades.

Pero la memoria no siempre está emparentada con la realidad: se diluye, se transforma, se manipula… Verdad, posverdad y fake news vertebraron el debate esta temporada. Pero también nos abrimos, a través de la poesía y a menudo del humor, a otras miradas sobre nuestro pequeño mundo cotidiano: la de Juan Mayorga, Lluís Pasqual, Mario Gas o los Rhum&Cía.

La temporada que ahora cerramos arroja datos firmes y esperanzadores.

65.739 espectadores han pasado este año por alguna de las salas del Teatro de La Abadía. 325 funciones que han alcanzado un porcentaje medio de ocupación del 74%.

El Corral de Comedias de Alcalá de Henares, gestionado también por la Fundación, ha contado con un total de 8.719 espectadores a lo largo de sus 85 funciones, alcanzando un porcentaje de ocupación del 72%.

Un total aproximado de 92.000 espectadores, sumando aquellos que nos visitaron en La Abadía, los que lo hicieron en el Corral de Comedias de Alcalá, todos aquellos que han tenido oportunidad de disfrutar alguno de nuestros espectáculos en gira, y los que se han sumado a alguna actividad de nuestra programación expandida (formación, debates, visitas guiadas, etc.).

Pero también toca celebrar el inicio, no solo de una nueva temporada, sino de un nuevo proyecto que llega de la mano de Carlos Aladro, nombrado como director general en el mes de febrero, relevando en el cargo a José Luis Gómez, director fundador, tras 24 años al frente. Avanzamos la programación hasta finales de enero, mes que dará paso a la celebración de nuestro 25º aniversario en febrero.

Ese hilo del tiempo y las herencias recibidas conectan con el eje temático central de la temporada 2019/20: los vínculos. Los relatos de esta temporada nos abrirán una serie de ventanas al universo de los vínculos. Aquello que nos une y lo que nos separa. El peso de los vínculos heredados que nos trascienden o aquellos que creemos elegir y aspiramos a consolidar o modificar. Vínculos de pareja, entre hermanos, entre maestro y discípulo, paternofiliales, intergeneracionales, sexuales o sociales.

Estos “vínculos” también hablan de nosotros como teatro en transformación, en continuidad pero sin continuismo, que atiende a su realidad y revisa sus relaciones con el entorno.

La Abadía es un sueño por cumplir

Esta idea de transformación conecta con otra de las ideas fundacionales del nuevo proyecto Abadía: una transición generacional necesaria para que los creadores puedan desarrollar trayectorias en continuidad. La Abadía sueña con un modelo de gestión de compañías/creadores asociados que  pueda  garantizar a una comunidad artística cada vez más activa la estabilidad y libertad necesarias para poder asumir riesgos (y fracasos).

Queremos tejer una red de colaboración que intente subsanar la precariedad estructural del sector poniendo en valor y en sintonía los activos de todos nuestros colaboradores. Desde una perspectiva transversal, La Abadía quiere compartir recursos y servicios con los creadores, para entrar en diálogo con ellos, en un vínculo prolongado en el tiempo, que responda a sus necesidades específicas de una manera sostenible y corresponsable. Entre otros: Carlos Tuñón, el Teatro Nacional São João (Oporto), Nao d’amores, Compañía de Babel, Alberto Jiménez, Jóvenes Clásicos (Málaga), Ay Teatro, Sleepwalk Collective (Madrid/Londres).

A nivel institucional, y a la vez artístico, se seguirán cultivando los lazos con Europa, a través de colaboraciones con el British Council, la Embajada de Portugal y otros que se sumarán. Queremos rastrear una idea de la cultura que nos enlaza de forma estratégica con Portugal y con Latinoamérica, como una manera de ampliar nuestra propia mirada, pero también de potenciar la visibilidad de La Abadía más allá de nuestras fronteras.

Esta idea de continuidad además enlaza con La Abadía como teatro de proximidad y de repertorio contemporáneo, que apuesta por una fórmula que permite a artistas y espectadores encontrarse y reconocerse a lo largo del tiempo, con periodos de exhibición prolongados.

Para el público, además, estrenamos esta temporada una política de precios más accesible que busca democratizar la creación teatral contemporánea. 
Creamos tres tarifas –tres colores– a diez, quince y diecinueve euros. El precio medio por entrada se reduce un 20%. Los martes, día del espectador, se pueden adquirir entradas desde solo ocho euros. Y los más jóvenes (menores de 26), los más beneficiados, podrán comprar sus entradas por cinco y siete euros, dependiendo de los espectáculos.

En definitiva, buscamos un modelo de gestión colectiva –teatro, creadores, gestores, instituciones y públicos– que genere además de recursos financieros, conocimiento, creatividad, valores de ciudadanía crítica y el uso más eficiente de todos los recursos disponibles.

Os invitamos a una experiencia creativa de riesgo, garantizada.

Ed. Salamandra. Barcelona (2019), 159 págs.

Traducción del alemán de Susana Andrés

(t. o.: Terror)

(ISBN: 978-84-9838-905-0)

La primera incursión de Von Schirach (Munich, 1964) en el teatro ha sido un éxito mundial, puesto que, desde la publicación de la obra en 2015, se ha representado en más de cien escenarios de veinte países. Se nota la experiencia del escritor, que trabaja también como abogado criminalista, porque Terror es un juicio, en el que los espectadores son el jurado.

Un terrorista secuestró el avión de un vuelo entre Berlín y Munich, con el objetivo de que se estrellara en el estadio muniqués, ocupado por unos sesenta mil espectadores, para presenciar un partido de fútbol entre Alemania e Inglaterra. Se juzga al comandante Lars Koch de la Fuerza Aérea de Alemania, piloto del avión que trataba de disuadir al terrorista, por la decisión que tomó de derribarlo, a pesar de no contar con el permiso de las autoridades políticas y militares, pues pensó que era preferible que murieran ciento y pico pasajeros a que las víctimas fueran varios miles.

El juicio está muy bien desarrollado, con las intervenciones del juez, del fiscal, del abogado defensor, de los testigos, de parientes de las víctimas que acuden como acusación particular y del propio encausado. El papel de jurado corresponde al público asistente a la representación teatral (o al lector del texto), por lo que será quien tendrá que decidir si condena o absuelve a Koch, y, por este motivo, Von Schirach ofrece dos finales –en función del veredicto que resulte–, en los que el juez resume la causa y explica la decisión tomada desde el punto de vista jurídico. Una situación límite que da pie a interesantes cuestiones éticas nada fáciles de resolver: sobre el papel de la conciencia frente a la ley, sobre el deber de obedecer las órdenes de las autoridades, sobre el mal menor y sus límites, sobre el valor, la libertad, etc. Un texto que impacta, que se lee de un tirón, y que plantea unos temas que no nos son nada ajenos, y en el que el lector o el espectador son también protagonistas.

Luis Ramoneda